Das sozialistische Grafikdesign der 1950er- bis 1970er-Jahre des sogenannten Ostblocks war überraschend frei und bunt. Ausgewählte Grafikdesigns, Illustrationen und Typografien von Gestaltern, die an strikte Regeln für die gesamte visuelle Sprache gebunden waren, werden in der Publikation „Iron Curtain Graphics“ präsentiert.

In verschiedenen Kapiteln werden Plakate, Schilder, Buch- und Magazinumschläge gezeigt, die heute nichts von ihrer visuellen Ausdruckskraft verloren haben – trotz des Untergangs des Regimes, für das sie geschaffen wurden.

Carla Duschka, Ciprian Isac (Atelierul de grafica): Iron Curtain Graphics. Eastern
European Design Created without Computers. Gestalten Verlag, Berlin 2012. Engl.,
208 S., zahlreiche farb. Abb., Softcover, 29,90 €. ISBN: 978-3-89955-394-9
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Nordfassade des Wallraf-Richartz-Museum Köln

Köln verliert einen weiteren wichtigen Protagonisten der Kulturszene: Überraschend gab Andreas Blühm an diesem Mittwoch bekannt, er werde seinen Posten als Direktor des Wallraf-Richartz-Museums aufgeben.

Der Grund für die Entscheidung sei aber nicht seine Unzufriedenheit mit den kulturpolitischen Verhältnissen der Stadt, sagte er dem Kölner Stadt-Anzeiger, sondern die Übernahme der Direktorenstelle am Kunstmuseum im holländischen Groningen. Der 53-jährige hatte das Museum in der Kölner Altstadt, welches eine herausragende Sammlung mittelalterlicher Kunst besitzt, seit sieben Jahren geleitet und dessen Entwicklung maßgeblich vorangetrieben.

Nach der Intendantin des Schauspielhaus Köln, Karin Beier, und dem Intendant der Oper, Uwe Laufenberg, verlässt mit Andreas Blühm nun ein weiterer wichtiger Akteur der rheinischen Kunstszene die Stadt.

Andreas Feininger (1906-1999): 42nd Street View, 1942, Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie, © Andreas Feininger Archive c/o Zeppelin Museum Friedrichshafen

New York, von Gegensätzen wie glänzenden Wolkenkratzern und Elendsvierteln geprägt, war schon immer Anziehungspunkt für Fotografen. Die Ausstellung “New York Photography” im Bucerius Kunstforum Hamburg richtet den Fokus auf frühe Vintage-Prints aus den Jahren 1890 bis 1950, die nur selten in Deutschland zu sehen sind.

Rund 180 Arbeiten von über 40 Künstlern aus den verschiedenen Epochen verdeutlichen die Entwicklung der Fotografie vom an den Impressionismus angelegten Piktoralismus über die Neue Sachlichkeit der 1920er Jahre bis hin zu photographischer Abstraktion und “street photography” der 1950er.

Schwarz und weiß, Licht und Schatten bilden die übergreifende Verbindung in den sechs Jahrzehnte umfassenden Aufnahmen. Denn auch New York zeichnet sich aus durch ein ständiges Schwanken zwischen hellen und dunklen Seiten der Gesellschaft: Hier die hochmodernen Wolkenkratzer mitsamt Fortschritt und High Society, dort die von Armut gezeichneten Randviertel der Stadt.

“New York Photography” ist vom 17. Mai bis zum 2. September im Bucerius Kunstforum in Hamburg zu sehen. Geöffnet ist täglich von 11 bis 19 Uhr, Donnerstag bis 21 Uhr. Der Eintritt kostet 8 Euro bzw. 5 Euro ermäßigt.

Der Blick durch die Galerie – Ausstellungsansicht Secret Stars** und Tilo Baumgärtel / Nadin Maria Rüfenacht, Foto: Ludger Pfaffrath

Betritt man die Ausstellungsräume von Wendt + Friedmann in der Berliner Heidestraße fühlt man sich gleich wohl: Dunkle Dielenböden, helle Wände und angenehme Lichtverhältnisse schaffen eine intime Atmosphäre. Seit dem Eröffnungstag der Galerie im September 2009 waren hier bereits interessante Ausstellungen, etwa von Amélie Grözinger, John Isaacs oder Moritz Schleime, zu sehen. Inhaber Andreas Wendt nimmt seinen Künstlern gegenüber eine besondere Haltung ein: Mehrere Jahre war er selber künstlerisch tätig und weiß daher, wie ein Leben zwischen Atelierarbeit, Ausstellungshektik und kreativen Herausforderungen aussieht.

Lange kannte Wendt nur die produzierende Seite des Kunstbetriebs: Nach seinem Abschluss als Meisterschüler von Katharina Grosse an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee bezog er einen Atelierraum in der Chausseestraße. Nach zwei Jahren stand er vor einem Eingeständnis: „Ich habe mich in diesem unkommunikativen Atelierdasein sehr unwohl gefühlt und mir gar nicht vorstellen können, mein weiteres Leben so zu führen.“

Bei seiner täglichen Fahrradroute über die Kastanienallee wurde Wendt auf die Galerie Engler & Pieper aufmerksam, die mit dem unkonventionellen Motto „Jede Woche eine Eröffnung“ geleitet wurde. Hier erhielt er nicht nur erste Einblicke in die Galeriearbeit, sondern auch die Gelegenheit, im Jahr 2004 eine Gruppenausstellung auf dem 1. Berliner Kunstsalon zu kuratieren: „Mit dieser Erfahrung im Hinterkopf hatte ich den Wunsch, eine eigene Galerie zu gründen.“ Zwei Jahre lang betrieb Wendt eine Produzentengalerie in der Zehdenicker Straße, bis er sich mit Unterstützung seines stillen Teilhabers Mario Friedmann dazu entschied, den Schritt der weiteren Professionalisierung zu wagen. Dabei konnte er sich ebenso auf sein Masterstudium in Museums- und Ausstellungswesen an der UdK stützen, das er in dieser Zeit absolvierte.

Ausstellungsansicht mit Collagen von Tilo Baumgärtel und Nadin Maria Rüfenacht in der Galerie Wendt + Friedmann, Foto: Ludger Pfaffrath

Angekommen

Räumlichkeiten fand er 2009 in der Heidestraße – ein zu diesem Zeitpunkt gefragter Standort unweit des Hamburger Bahnhofs. Die potentielle neue Heimat stieß bei ihm anfangs nur auf wenig Gegenliebe: „Das war eine Wüste: 70er Jahre Büros mit schrecklichen Tapeten und Rigips-Wänden.“ Nach dem Umbau wurden daraus einladende Galerieräume, die sich bewusst von der Sterilität eines White Cubes abgrenzen sollten.

Erste Ausstellungen, wie „On Paper“ mit u. a. Michael Dean und Gitte Schäfer zogen viel Publikum an. Auch die Integration in die Struktur der Nachbarschaftsgalerien, zu der Haunch of Venison oder Hamish Morrison gehörten, glückte. Die kaufmännische Seite der Galeriearbeit musste Andreas Wendt sich dabei regelrecht antrainieren: „Der rein künstlerische Blick auf die Dinge reicht einfach nicht.“ Inzwischen sind ihm die beiden Gesichter seiner Tätigkeit zwar vertraut, aber Berlin schafft es immer wieder, ihn zu überraschen: „Hier ist alles in Bewegung. Das macht die Stadt für mich so spannend.“

Umbrüche

Diese Dynamik hatte auch Auswirkungen auf die Heidestraße: Das Zugpferd Haunch of Venison schloss 2010 seine Dependance und löste damit eine Welle von Abwanderungen aus: „Mit so einer Entwicklung hat keiner gerechnet. Aber das ist mir immer noch lieber als die Behäbigkeit, der man hier früher ständig begegnete.“ Der Wegfall des Artforums hat die Situation weiter verändert: Wendt + Friedmann war bisher auf der Begleitmesse „Preview“ vertreten, die nun ebenfalls einer Neudefinition bedarf. Der Galerist ist skeptisch: „Vielleicht ist Berlin der beste Standort für Künstler und Galerien, aber finanziell noch nicht für Messen.“

Das Künstlerduo Secret Stars** in der Galerie Wendt + Friedmann, Foto: Kristina Schulze

Immer für die Kunst

Andreas Wendt steht trotz der veränderten Bedingungen zu seinen Prinzipien: „Mir geht es nicht um schnellen Erfolg oder um ein bestimmtes künstlerisches Medium. Bei den Künstlern, die ich ausstelle, muss ich intuitiv denken: Denen gehört die Zukunft.“ Eine langjährige Zusammenarbeit sei für ihn viel wichtiger, als „ein Wellenreiter zu sein, der die Schaumberge abschöpft.“ Eine Neuentdeckung ist etwa der französische Künstler Emmanuel Bornstein, den Wendt im September ausstellen wird.

„Denen gehört die Zukunft“ – dieses Credo gilt wohl auch für die beiden Künstlerduos aus Berlin und Leipzig, deren Arbeiten derzeit in der Galerie zu sehen sind. Während die Malereien von Secret Stars** humorvoll das eigene Genre ins Visier nehmen, erinnern die figurenreichen Collagen von Tilo Baumgärtel und Nadin Maria Rüfenacht mit ihren komplexen Assoziationsketten an dadaistische Positionen. Die Werke grenzen sich methodisch zwar voneinander ab, sind aber dennoch interessante Belege dafür, wie gut singuläre Künstlerpersönlichkeiten kooperieren können.

Secret Stars**: Der Besucher, 2012, 70 x 50 cm, Öl auf Leinwand, Courtesy Wendt+Friedmann, Berlin. Foto: Ludger Pfaffrath

Im Juni steht bei Wendt + Friedmann ein Experiment an: Das Atelier von Marc Gröszer soll in die Galerie hineingebaut und dort für zwei Wochen von dem Künstler bewohnt werden: „Marcs Arbeitsraum ist wie ein Dschungel. Berge von Zeichnungen, Skizzen und Müll – alles stapelt sich.“

Die Idee dazu kam Wendt durch die Besuche in Gröszers Atelier, dessen Innenleben ihn an eine Installation erinnerte. Authentizität, auch dem Künstler gegenüber, ist für Andreas Wendt entscheidend: „Marcs Atelier ist durch und durch er selbst. Meine Arbeit soll ja vor allem der Kunst dienen. Immer nur Bilder aufhängen – das wäre langweilig.“

Die Ausstellung mit Malereien von Secret Stars** und Collagen von Nadin Maria Rüfenacht / Tilo Baumgärtel ist noch bis zum 26. Mai in der Galerie Wendt + Friedmann zu sehen. Geöffnet ist Mittwoch bis Freitag von 12 bis 18 Uhr, Samstag von 12 bis 17 Uhr sowie nach Vereinbarung

Jonathan Meese. Performance "Erzstaat Atlantisis", Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen, 2009 / Foto: Warburg

Das Enfant terrible der deutschen Kunst schwingt erneut die Keule: Am Mittwoch, 16. Mai stellt Jonathan Meese im Berliner Literaturforum im Brecht-Haus sein Buch “Ausgewählte Schriften zur Diktatur der Kunst” vor.

“Die Diktatur der Kunst ist die Herrschaft der Kunst, nicht des Künstlers. Kunst ist die einzige Alternative, denn nur Kunst als Stoff wechsel der Sache löst den revolutionären Druck und erschafft den totalen Paradigma-Wechsel” heißt es in der Publikation, die kürzlich im Suhrkamp Verlag von Robert Eikmeyer herausgegeben wurde.

Bereits seit mehreren Jahren propagiert Meese öffentlich eine Diktatur und Radikalisierung der Kunst, eine Abschaffung des politischen Systems zu Gunsten künstlerischer Freiheit. Robert Eikmeyer hat die wichtigsten Thesen herausgefiltert und zu einem seitenstarken Sammelband verdichtet, welchen er nun zusammen Mit Meese vorstellt.

Die Veranstaltung findet am Mittwoch, 16. Mai im Literaturforum im Brecht-Haus Berlin statt. Beginn ist um 20 Uhr.

Dr. Stefan Brandt ist neuer kaufmännischer Geschäftsführer der Hamburger Kunsthalle

Der Stiftungsrat der Hamburger Kunsthalle hat am Mittwoch Dr. Stefan Brandt einstimmig zum neuen kaufmännischen Geschäftsführer der Hamburger Kunsthalle gewählt. Ab 1. Oktober 2012 tritt der gebürtige Weimarer seine neue Stelle an der Elbe an. 

Die Kommission sah den 36jährigen Doktor der Musikwissenschaft aufgrund seiner vielfältigen Erfahrungen im Führungsbereich von Kulturinstitutionen in Wien und Zürich als bestens geeignet für diese Stelle. Sein unternehmerischer Sachverstand, gepaart mit seiner künstlerischen Begeisterungsfähigkeit, soll den neuen Geschäftsführer dazu verhelfen, die positive Entwicklung der Kunsthalle fortzusetzen.

Brand möchte verstärkt die Präsenz der Kunsthalle bei Künstlern und Besucher, wie auch bei Förderern und Sponsoren zeigen und dadurch eine dauerhafte Stabilisierung der finanziellen Lage des Hauses gewährleisten, heißt es in der Pressemitteilung.

An dieser Stelle meldet sich einmal im Monat Matthias Planitzer, Autor des Blogs für zeitgenössische Kunst Castor und Pollux zu Wort und seziert für uns die Kunstwelt in Berlin. In dieser Ausgabe: die Ausstellung “Obersalzberg” in der Galerie Dittrich & Schlechtriem.

Sobald sich Politik der Propaganda bedient, macht sie sich angreifbar, weil sie eine Lesart gegen alle anderen durchsetzen muss. Sie kann sich nur behaupten, wenn sie die Deutungshoheit über die Herausforderungen erlangt, denen sie sich stellen will. Der politische Kampf ist demnach eine ideologische Auseinandersetzung, deren Ausgang zunächst ungewiss ist. Doch zurück zur Kunst: Wie ehrgeizig dieser Kampf geführt wird, kann das Berliner Publikum seit einigen Tagen bei der Biennale verfolgen, wo die Kunst in diesem Jahr vielleicht mehr denn je hinter der Politik zurücktreten muss: Der Prozess der ideologischen Deutung nimmt im Laboratorium Museum den Raum der künstlerischen Auslegungsweisen ein. In diesem Falle verzichtet sie auf jegliche ästhetischen Züge und wird somit zum faden Fremdkörper im Haus der Kunst.

Nur wenige Meter entfernt beweist ein junger Fotograf, daß es auch anders geht: Andreas Mühe verkehrt in seiner heiß erwarteten Einzelausstellung “Obersalzberg” in der Galerie Dittrich & Schlechtriem die Bild- und Formsprache der nationalsozialistischen Propaganda. Pünktlich zum Gallery Weekend wurde “Obersalzberg” eröffnet und zog die neugierigen Besucherscharen an. Drinnen wie draußen drängten sich die Leute, um einen Blick auf Mühes Arbeiten werfen und bei dieser Gelegenheit gleich angeregt miteinander schnattern zu können. Damit war die Galerie Dittrich & Schlechtriem vielleicht eine der besser besuchten Ausstellungsorte des Wochenendes – obwohl sie nicht einmal zum Kreis der offiziellen Teilnehmer des Gallery Weekends gehörte.

Andreas Mühe: "Du machst das Bild", courtesy Dittrich & Schlechtriem, Berlin

Zu verdanken ist dies Andreas Mühe, dessen “Obersalzberg” vorab v.a. mit der zentralen Arbeit “Du machst das Bild” beworben wurde. Die großformatige Fotografie, gekonnt im Vorraum der Galerie in Szene gesetzt, könnte provokanter nicht sein. Darauf abgebildet sind zwei Uniformierte vor düster bewölktem Himmel. Ein Offizier posiert gekünstelt, sein Adjudant hält die Szene fotografisch fest. Die Posen verraten viel: So entstehen Schnappschüsse á la “ich war hier”. Fototourismus und Facebook-Bildkultur. Doch statt Smartphone und Instagram sind es Balgenkamera und Feldpost, die den Moment festhalten und teilen. Dabei blickt der Adjudant nicht einmal durch den Sucher; so kann das Foto ja nichts werden. Heute wie damals.

Derweil bleibt unklar, wer sich hier vor welchem Motiv ablichten lässt. Einzig der dramatische Himmel einer Wagnerschen Götterdämmerung dient als Kulisse. Damit hat Andreas Mühe sein Anliegen für den “Obersalzberg” bereits auf den Punkt gebracht: die punktgenaue Analyse und Verkehrung der Bildpropaganda der Nationalsozialisten. Alles was es dafür braucht, sind ein generischer Nazi, die Gewalt des ur-deutschen Idylls und reichlich Satire, um all dies ad absurdum führen zu können.

Andreas Mühe: "SA-Mann am Mooslahnerkopf", courtesy Dittrich & Schlechtriem, Berlin

Keinen besseren Ort könnte es hierfür geben als den Obersalzberg, der einst Hitler als Feriendomizil und Hintergrund für zahlreiche Inszenierungen seiner Propaganda diente. Bei Mühe findet man dieselben Motive wieder: epische Alpenpanoramen, mächtige Wälder und sanft verschneite Auen. Mühe ahmt die typische Bildqualität durch Weite und Raum, großzügiges Hochformat sowie die ureigene, leicht abgeblasste Farblichkeit nach. In dieser Landschaft positioniert er seine Nazis im hinteren Mittelgrund, gerade so weit von der Kamera entfernt, daß sie dank ihrer Uniform noch als solche erkennbar sind. Doch bei Mühe thronen sie nicht etwa wie Hitler über dem deutschen Land zu ihren Füßen. Sie zeigen sich auch nicht von der Naturgewalt beeindruckt. Im Gegenteil, sie schenken all dem keine Aufmerksamkeit.

Mühes Nazis pissen. Man kann es nicht anders ausdrücken. Wie sie dort der Kamera abgewandt stehen, die Hose aufgeknöpft, dem Panorama zu ihren Füßen keinen weiteren Respekt zollen als ihrer dringenden Dürftigkeit nachzugehen, kann es keinen besseren Ausdruck der Vulgarität dieser Szenen geben. Während Mühe mit viel Aufwand die mystifizierte Herrlichkeit der Landschaft einzufangen weiß, reicht dieses eine Detail, seine sofortige Entzauberung herbeizuführen. Der Obersalzberg Mühes ist zwar immer noch ein von den Nationalsozialisten vereinnahmtes Naturdenkmal, doch von Propaganda kann keine Rede sein. Mühes Obersalzberg ist ein beliebiger Ort in Deutschland, der stinkt und mufft, vermüllt und verdreckt ist und eigentlich genauso armselig daher kommt wie jene, die sich seiner bemächtigen und hier auslassen. Die Kritik an der infamen Propaganda der Nazis könnte kaum treffender sein. Hier wird die Deutungshoheit des ur-deutschen Idylls gekonnt gekontert. Dieser Schock sitzt noch bei der nächsten Wagner-Aufführung tief.

Andreas Mühe: „Der General“, courtesy Dittrich & Schlechtriem, Berlin

Gleichzeitig verrät die Anonymität der ikonisch gesetzten Figuren die Fiktion des Bildtypus vom Berchtesgadener Land, dem Land der Deutschen. Ob Nazi-Propaganda oder Heimatfilm, ernstes oder satirisches Historienkino, die hoch konzentrierte Idee des Ur-Deutschen wird entlarvt und mit der Absurdität ihrer gekünstelten Inszenierung konfrontiert. Mühes Fotografien, allen voran “Du machst das Bild” erzählen vor allem von dem Aufwand, der für ihre Produktion betrieben wurde. Das schwülstige Element, die maßlose Übertreibung dringen überall durch.

Im Unterschied zu all diesen auf die eine oder andere Weise propagandistisch gefärbten Deutungen, gibt Mühes übertrieben gekünstelte Inszenierung dieses hartnäckig anhaftenden Pathos nicht den Weg für eine anschließende Narration frei. Andreas Mühe betreibt all diesen Aufwand nicht etwa, um seine eigene Deutung des Berchtesgadener Landes dadurch zu bekräftigen. Sein Mythos “Obersalzberg” verliert sich in der Leere und lässt hier keinen Ausweg offen. Darin liegt auch das Geheimnis, warum diese sonst so abgegriffenen Motive bei ihm zu neuem Leben erwachen. Da fällt es doch gleich viel leichter, auch einmal darüber lachen zu können. Wie man hört, fanden Mühes Arbeiten vor allem bei jüdischen Sammlern Gefallen. Damit wären sie nicht allein: Die Eröffnungsgäste hatten jedenfalls sichtlichen Spaß.

Haus am Checkpoint Charlie, Berlin, 1987-1990, Modell ca. 1987 Architekt: OMA (Office for Metropolitan Architecture), Rotterdam Modellbau: Dirk Alten © DAM, Foto: Hagen Stier

Ob das Projekt letztendlich verwirklicht wird oder nicht: Bevor ein neues Gebäude gebaut wird, entwerfen Architekten zunächst ein Modell. Wie sich diese seit den 1920ern verändert haben, zeigt die Ausstellung “Das Architekturmodell – Werkzeug, Fetisch, kleine Utopie“, die ab dem 25. Mai im Deutschen Architekturmuseum Frankfurt am Main zu sehen ist.

Über alle Etagen des Museums erstreckt sich die Präsentation der rund 300 Modelle, die zu einem Drittel aus der hauseigenen Sammlung, zu zwei Drittel aus Leihgaben bestehen. Zu den Höhepunkten zählen dabei die Statik-Hängemodelle von Frei Otto sowie zwei jeweils zwölf Quadratmeter große Modelle von Rem Koolhaas, die dieser im Zuge der städtebaulichen Planung in Paris La Villette (1983) und Melun-Sénart (1987) entwarf.

Auch die weiteren Exponate, die aus unterschiedlichen Materialien wie Holz, Karton, Wachs, Kunststoff und Styropor bestehen, lesen sich wie ein Who-is-Who der internationalen Architektur-Szene: Gottfried Böhm, Norman Foster, Mies van der Rohe, Peter Zumthor und Makoto Sei Watanabe sind mit Modellen vertreten, die die Leidenschaft für außergewöhnliche Baustrukturen zum Ausdruck bringen. Auch aktuelle Namen wie Herzog & de Meuron, Axel Schultes und Charlotte Frank oder Richard Serra finden sich auf der Liste.

Die Ausstellung “Das Architekturmodell – Werkzeug, Fetisch, kleine Utopie” ist vom 25. Mai bis zum 16. September im Deutschen Architektur Museum in Frankfurt/Main zu sehen. Geöffnet ist Dienstag, Donnerstag und Samstag von 11 bis 18 Uhr, Sonntag von 11 bis 19 Uhr und Mittwoch von 11 bis 20 Uhr.

Werner Mahler, Ehepaar Köhler, Berka 1978

Mit der Teilung Deutschlands ging auch ein Riss durch die Fotografie: Während die Freiheit und Unabhängigkeit in der BRD im Grundgesetz verankert wurde, nutzte die DDR die Künste für die Durchsetzung und Präsentation ihrer kommunistischen Ideale. Doch auch während des real existierenden Sozialismus ließen sich Fotografen nicht davon abhalten, ihre Umwelt zu beobachten und dies auf Fotopapier zu bannen, wie die Publikation “Eros und Stasi. Ostdeutsche Fotografie” mit eindringlichen Bildern beweist.

Die Bandbreite der genutzten Stile ist dabei beeindruckend. Referenzen an die Ästhetik des Neuen Sehens der 1920er Jahre werden ebenso deutlich wie die Bildsprache der 1950er und die Straßenfotografie der 1970er – und das, obwohl ostdeutschen Fotografen der Zugang zu internationalen Entwicklungen der Kunst weitestgehend vorenthalten war.

Der Bildband, der die gleichnamige Ausstellung im Ludwig Forum Aachen 2010 begleitete, bietet den “Blick von Innen” auf die gesellschaftlichen Verhältnisse der DDR und die Lebensrealität der Bürger. Bezeichnend ist dabei die Fülle an einfühlsamen Aktfotografien, die sich im Werkzyklus unter anderem von Gundula Schulze Eldowy, Dirk Alvermann, Hans Praefke oder Thomas Steinert finden. Die Offenheit mit der die (in diesem Fall ausschließlich weiblichen) Modelle die Kamera auf sich ruhen lassen, offenbart mitunter einen Einblick in die Tiefen einer verletzten Seele mit all ihren Wunden und Narben.

Narben haben auch die Städte in großer Zahl vorzuweisen: Mit alter Bausubstanz, im Krieg zerstört und jahrelang außer Acht gelassen, bröseln die Gebäude dahin. Doch der Alltag in der DDR unterscheidet sich äußerlich nicht von anderen Städten Deutschlands, zeigen Aufnahmen von Hochzeiten, Kneipenabenden, Beerdigungen oder Modeschauen in Aufnahmen von Ute Mahler, Sibylle Bergemann oder Barbara Metselaar Berthold.

Die einzigen Farbfotografien der rund 100 in dem Bildband abgedruckten Aufnahmen aus der Sammlung Gabriele Koenig zeigen Räumlichkeiten, in denen die Staatsicherheit über all die Jahre ihr feingliedriges Überwachungsnetz pflegte: Mit Möbeln aus Pressholz, eierschalenfarbenen Gardinen und blutrotem Teppich in 60er-Jahre-Muster wirkt die “Mielke Etage” so, als hätte der Stasi-Chef sie eben erst verlassen. Der Blick auf eine mit tausenden Karteikarten gefüllte Regalreihe trägt einen schalen Beigeschmack mit sich.

Gabriele Koenig. “Eros und Stasi. Ostdeutsche Fotografie”. Kehrer Verlag, Heidelberg 2011. Festeinband, 192 Seiten 10 Farb- und 123 S/W-Abb., 36,00 Euro. ISBN 978-3-86828-216-0
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Harald Hauswald, 1.Mai, Alexanderplatz, Berlin 1987

Vorbild Cindy Sherman: Aneta Grzesykowska, Untitled Film Still # 22 (Serie Untitled Film Stills), 2006, C-Print © Courtesy of the Artist / Raster Gallery Warschau

Die Kopie im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit: Erst kürzlich mussten sich weitere Politiker den Vorwürfen stellen, sie hätten ihre Doktorarbeit an anderen Stellen abgekupfert. Auf Youtube werden Songs aus den Charts zur Gitarre performt, CDs werden gebrannt, Markenartikel nachgemacht. Und natürlich ist auch die Kunst vor Kopien nicht sicher, zeigt die Ausstellung “Déjà-vu? Die Kunst der Wiederholung von Dürer bis YouTube“, die derzeit in der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe zu sehen ist.
Ist das nicht eines der berühmten Filmstills von Cindy Sherman? Nein, hierbei handelt es sich um eine Fotografie von Aneta Grzesykowska – die die Aufnahme ihres Vorbildes bis in das kleinste Detail hinein kopiert hat. Die Künstlerin ist nicht die einzige und nicht die erste, die sich dieser Technik bedient, vielmehr ist das Kopieren von Kunst so alt wie die Kunst selbst.

Abgemalt bei Goya: Yinka Shonibare, The Sleep of Reason Produces Monsters (Asia), 2008, C-Print auf Aluminium, Privatsammlung © 2008 Yinka Shonibare / Courtesy James Cohan Gallery

Es diente dabei immer wieder unterschiedlichen Zwecken, wie die Ausstellung in Karlsruhe verdeutlicht und gelangte über die Jahre hinweg durch alle Höhen und Tiefen der Wertschätzung. In Zusammenarbeit mit der Staatlichen Hochschule für Gestaltung (HfG) Karlsruhe wird anhand eines Parcours durch sieben Jahrhunderte vom späten Mittelalter bis in die zeitgenössische Kunst die Thematik umfangreich ausgelotet. Gezeigt werden sowohl Gemälde, Zeichnungen, Druckgraphiken als auch Skulpturen, Fotografien und Installationen.

Die Ausstellung “Déjà-vu? Die Kunst der Wiederholung von Dürer bis YouTube” ist bis zum 6. August zu sehen. Geöffnet ist Dienstag bis Freitag von 10 bis 17 Uhr sowie Samstag, Sonntag und an Feiertagen von 10 bis 18 Uhr.